Les dejo esta página para que la revisen, ahi podrán ver las cosas que el ser humano ha creado con la robótica y su imaginación. Y sobre todo por la necesidad de crear a su propia criatura, a su imagen y semejanza (aunque suene muy biblico, pero es real) para dejar de ser el criatura y ser un creador. Como lo fue victor frankenstein, o como lo es un genetista con la clonación y su deseo por clonar a un ser humano o un ser querido que perdió y no quiere dejar ir.
En esta pagina aun los robots se ven como maquinas, no estan revestidos con una piel, pero esos robots de piel ya existen y les puse info en un comentario que le hice a Azu en su publicación "¿Hasta donde pueden los robots suplir al hombre?"
http://www.taringa.net/posts/info/9903045/Curiosos-robots.html
domingo, 1 de mayo de 2011
Algo que podría ser un videoclip de Hatsune Miku
Aqui les dejo lo que sería un videoclip de Hatsune Miku, y no es mas que una caricatura, pero ir a ver esa caricatura en un concierto como el video anterior!!!!! no sé, creo que yo iría por pura curiosidad y para saber, sentir y vivir las reacciones y sensasiones que esta cantante provoca en el público!!!
Hatsune Miku
Estaba viendo los videos que sara nos dejó y al menos creo que ahi la tecnología se utiliza como un recurso para resaltar un espectáculo, hacerlo mas llamativo e interesante... pero que pasa ¿cuando la tecnología es la protagonista y es entorno a ella que todo gira?, en este caso les pondré el ejemplo de un holograma 3D japonés llamado "Hatsune Miku", su significado es: El primer sonido del futuro (Hatsu = Primero, Ne = Sonido, Miku = Futuro), quien es la cantante pop del momento. Según datos oficiales, tendría 16 años, mediría alrededor de 1.58 cm, con un peso de 42 kilos. Tiene el cabello largo, de color aguamarina, usualmente recogido en dos largas coletas, y ojos del mismo color que el cabello. Su vestimenta más característica está compuesta por una blusa sin mangas de color gris brillante, con bordes color aguamarina, una corbata aguamarina a juego con su pelo, y sobre sus brazos, guantes de color negro que incluyen un ecualizador. La parte inferior de su atuendo está formada por una falda con tablas color negro, un colgante de cinturon de color negro y cían, y calcetines del mismo color, que se unen con sus zapatos. Además de esto, usualmente se le ve con un par de auriculares sobre sus oídos. Ella genero una enorme demanda, que hasta dicen que es dificil citar el número, pero si ven el video podrán observar la cantidad de gente que mueve y la intensidad con que ésta la siguen. Hatsune Miku no es de carne y hueso, pero es una relidad y sobre todo una manera "tangible" de hacer realidad el ideal de mujer japonés.
posmodernidad
Encontré esta definición, a ver que les parece:
Posmodernidad es el término que se utiliza para designar a la amplia gama de movimientos, culturales, artísticos, filosóficos y literarios que surgieron en el siglo pasado, más precisamente entre las décadas del setenta y el ochenta con el claro objetivo de oponerse a lo imperante: el movimiento moderno y por supuesto, también, superarlo.
Entre los principales postulados que sintetizan lo que viene promoviendo este movimiento se destacan: defensa de lo híbrido, de aquello que no encuentra una definición total; promoción de la cultura popular; a favor de la descentralización tanto en lo referente a la autoridad científica como a la intelectual; y una actitud de desconfianza hacia la meta narrativa, la cual, según la posmodernidad, propone un esquema de cultura totalizador que organiza y explica los conocimientos y experiencias.
Comenario : las nuevas tecnologias
Las altas tecnologías, se basan en la electrónica, informática, robótica y todos sus derivados y esta relacionada con el desarrollo humano; pareciaera que las nuevas tecnologías tienen la característica de revolucionar lo establecido, la mezcla ya explicada de la ciencia, la técnica y la sociedad, marcan momentos en el desarrollo de una u otra área o varias al mismo tiempo.
Por tanto, puedo decir, que se puede hablar de un constante desarrollo de nuevas tecnologías, en la sociedad actual es imposible hablar de una nueva tecnología en comun, siempre un producto implica otro producto manera que un resultado es una suma de nuevas tecnologías.
Tengo claro( en mi caso) que muchas de estas tecnologias no son una necesidad, no son indispensables para vivir ni para crear, me refiero a que no son esceniales en eñ teatro, más bien son un apoyo al la produccion de un espectaculo; reflexionaba en relacion a la mediatizacion y me doy cuenta qu hoy en dia existen muchas cosas o medios por los cuales uno puede estar presente e interactuar de una u otra forma con las demás personas, aun cuando en ocasiones ni siquiera somos concientes de ello, el más claro ejemplo es éste blog.
Ahora bien, cambiando un poco de tema( solo un poco) veo que los la civernetica, la hipertextualidad, la hiperrealidad y lo poshumano, esto presente en muchas cosas a nuestro alrededor, considero que es cierto lo que dijo el profesor, hoy en día es más impresionante ver lo que puede hacer un robota ver lo que puede hacer el hombre, pareciara que no nos damos cuenta que ese robor lo hiso el hombre y me pregunto ¡hasta donde podra llegar la tecnología? ¿se imaginan un actor robor? ¿ o un escenografo robot?
Por tanto, puedo decir, que se puede hablar de un constante desarrollo de nuevas tecnologías, en la sociedad actual es imposible hablar de una nueva tecnología en comun, siempre un producto implica otro producto manera que un resultado es una suma de nuevas tecnologías.
Tengo claro( en mi caso) que muchas de estas tecnologias no son una necesidad, no son indispensables para vivir ni para crear, me refiero a que no son esceniales en eñ teatro, más bien son un apoyo al la produccion de un espectaculo; reflexionaba en relacion a la mediatizacion y me doy cuenta qu hoy en dia existen muchas cosas o medios por los cuales uno puede estar presente e interactuar de una u otra forma con las demás personas, aun cuando en ocasiones ni siquiera somos concientes de ello, el más claro ejemplo es éste blog.
Ahora bien, cambiando un poco de tema( solo un poco) veo que los la civernetica, la hipertextualidad, la hiperrealidad y lo poshumano, esto presente en muchas cosas a nuestro alrededor, considero que es cierto lo que dijo el profesor, hoy en día es más impresionante ver lo que puede hacer un robota ver lo que puede hacer el hombre, pareciara que no nos damos cuenta que ese robor lo hiso el hombre y me pregunto ¡hasta donde podra llegar la tecnología? ¿se imaginan un actor robor? ¿ o un escenografo robot?
jueves, 28 de abril de 2011
QUE ES ARTE CONTEMPORÁNEO
Hola, encontré en LA TEMPESTAD, (una revista), un artículo en el que se diferencia el arte moderno del contemporáneo y quiero compartirlo, se trata de una entrevista corta a Boris Groys un pensador alemán que dice que el término arte contemporáneo no se refiere únicamente al arte producido hoy, sino fundamentalmente a las piezas que tienen la capacidad de presentar el presente y reflexionar sobre él. Así se distingue del arte moderno, que miraba hacia el futuro, o del posmodernismo, que analizaba históricamente el proyecto moderno, …lo que distingue el arte contemporáneo del de momentos anteriores es sólo el hecho de que la originalidad de una obra de nuestro tiempo no se establece de a cuerdo a su propia forma, sino a través de su inclusión en un determinado contexto, en una determinada instalación.
El crítico de artes mexicano Cuauhtémoc Medina, piensa que se trata de un arte de convergencias mas que de enfrentamientos: “nunca el arte del momento ha gozado de una recepción social menos conflictiva”.
Los límites estéticos del arte contemporáneo no están restringidos a una técnica o un soporte, por ello conviven en el mismo paradigma video, pintura, escultura o instalación .
…Si una obra tiene la capacidad de inscribirse en un contexto, de establecer un marco de interpretación sobre el presente establecido por el artista, la obra, el entorno y el espectador, … el arte es contemporáneo no porque siga a la par de su tiempo, sino por el contrario, porque lo comprende y lo cuestiona.
Aunque en la actualidad existen muchos artistas y la mayoría de ellos ofrecen propuestas interdisciplinarias, la cuestión mas relevante es considerar su disposición para emitir un discurso acerca del presente. Sólo ello define si sus propuestas son auténticamente contemporáneas o si sencillamente se desdibujan con su tiempo.
domingo, 24 de abril de 2011
Performance, fotografía y video.
El siguiente ensayo atiende a las diferentes relaciones que pueden establecerse entre la performance como hecho artístico y su documentación entendida como prolongación de la propuesta original, en contraposición con las prácticas de la recopilación histórica e informativa propias de la exégesis crítica; es decir, performances creadas especialmente o rediseñadas en función de su posterior registro.
Esta particular relación propone considerar su recepción estética en el seno de la tensión que se establece entre medios de expresión irreductibles, tensión que pone en funcionamiento una dialéctica que tiene por polos al acto original y al registro final del mismo.
El movimiento dialéctico señala un espacio de relaciones que no pueden ser fijadas de antemano, sino que deben comprenderse en función de las propuestas originales. Las prácticas de la foto-performance y la video-performance, por ejemplo, tienden a privilegiar al registro como soporte antes que a la acción registrada. En contrapartida, obras como las de Ana Mendieta dan al registro la categoría de «huella» del acto original, mientras otras parecen desplegarse en situaciones aún más complejas, como podría ser el caso de los registros que la artista francesa Orlan realiza de sus intervenciones quirúrgicas o la superposición entre acto y registro en las fotografías de Cindy Sherman.
Lo que en todos los casos resulta evidente es que el registro no agota al acto y que éste no existe independientemente de aquél. Por el contrario, muchos artistas tienden a dimensionar o rediseñar la propuesta performática en función del medio de registro elegido, posibilitando una recepción diferente en cada caso (acto, registro), que les ha permitido trascender la instancia de la acción-transformada-en-objeto y su documentación.
La recepción debe entenderse en esos casos como una pugna -característica de la confrontación dialéctica- entre la génesis y el resultado del acto, donde la complementariedad de los medios se coarta dando lugar a un espacio de indeterminación productivo, espacio privilegiado de la relación del autor con su espectador, donde se ponen en marcha las claves de la recepción estética de la obra.
LA EVIDENCIA Y EL CUERPO DEL DELITO Durante muchos años el registro fotográfico fue utilizado por los artistas conceptuales para documentar la ejecución de obras y eventos de carácter efímero. La fotografía era la evidencia de una realización artística, su corroboración y verificación –en la medida en que postulaba su valor de verdad– para la posteridad, transformándose en prueba fehaciente de la intervención de su autor en la ejecución.
Ana Mendieta siguió un camino algo diferente para el registro de sus acciones sobre la naturaleza. Su trabajo se basó en la intervención sobre espacios naturales, en los que dejaba esbozada una silueta que luego registraba fotográficamente. Sin embargo, sus registros no dan pruebas de su presencia sino más bien de su ausencia: no muestran a Mendieta en el acto de señalizar el espacio sino que documentan el producto posterior del mismo, el momento en que su autora ha quedado reducida a una huella en el paisaje.
La imagen fotográfica refuerza esa ausencia debido a su estatuto de pasado irremediable e inmodificable –debido a ese carácter «mortuorio» que según Barthes subyace en toda fotografía (1)– pero a su vez es la ocasión de la recepción estética de la obra, que sólo puede desplegarse para su espectador entre la autenticidad del registro y la ausencia del acto.
Aún documento de un sub-producto (la huella), el registro es parte integrante y vital de la performance. Su lugar claramente no es complementario, ya que es imposible establecer un límite preciso entre performance y registro que pudiera caracterizar a una y otro como prácticas separadas. Por otra parte, las fotografías son el único vínculo que la artista propone con su espectador, obligado a aproximarse a la inmediatez del acto original desde la perspectiva mediada del registro fotográfico.
EL REGISTRO Y LAS INSTANCIAS DEL PROCESO ARTÍSTICO
Una práctica más común es la utilización de un medio tecnológico para documentar el proceso de una performance. Esta práctica fue bastante popular entre artistas conceptuales como Dennis Oppenheim, John Baldessari, Vitto Acconci o Bruce Nauman, como así también en el ámbito del Body Art, siendo particularmente importante en las famosas autoagresiones de los integrantes del accionismo vienés.
Por su parte, no es casual que el video arte haya nacido en el seno de las acciones del grupo Fluxus y entre los performers de los 1970s; como declara la artista Marina Abramovic, el video compartía la instantaneidad de la performance permitiendo además la prolongación temporal de la acción (2). Tan importante fue la utilización del video en el registro de performances en los setentas que la crítica norteamericana Rosalind Krauss caracterizó al medio como la estética del narcisismo, aduciendo que “en la mirada dirigida a si mismo [del performer] se configura un narcisismo tan endémico a las obras en video que me veo tentada a generalizarlo como la condición del género en su totalidad” (3).
La foto-performance y la video-performance –procedimientos basados en acciones pensadas especialmente para ser registradas– dieron cuerpo a un tipo de obras donde el acto aparece como inseparable de su traducción mediática. La secuenciación del registro fotográfico o la edición videográfica permitieron además alterar los patrones temporales propios del acto performático o focalizar la recepción del mismo, con la posibilidad de generar un metadiscurso crítico en relación al proceso de ejecución de la obra o su fruición.
Como caso particular de este tipo de trabajos puede señalarse los registros de las performances de Orlan, quien en los últimos años se ha sometido a una serie de intervenciones quirúrgicas de modificación de su cuerpo como forma de crítica «carnal» (4) as presiones de los patrones femeninos de belleza occidentales, cuya fuente la artista remite a la historia del arte: así, ha «copiado» sobre su cuerpo la barbilla de la Venus de Botticcelli (El Nacimiento de Venus), la nariz de la Psyche de Gérard (Le Premier Baiser de l'Amuor à Psyche), los labios de la Europa de Moreau (L’Enlévement d'Europe), los ojos de Diana en la Diana Chasseresse de la Escuela de Fontainebleau y la frente de la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci.
Las operaciones son registradas bajo la supervisión de la propia artista, quien sólo se hace administrar anestesia local. Además de supervisar el registro, Orlan escenifica la sala de operaciones con diferentes objetos, diseña la ropa de cama y la vestimenta de los médicos. Durante toda la intervención quirúrgica, lee textos psicoanalíticos, filosóficos o literarios.
Así, los registros son el resultado de una situación especialmente escenificada para la cámara, sobre la que Orlan también suele intervenir posteriormente en la edición. Además del registro en si, muchas veces las condiciones mismas de su presentación están contempladas en función de la performance: en la última Bienal de Lyon, por ejemplo, Orlan dispuso televisores con las imágenes de sus operaciones en el techo del Museo de Arte Contemporáneo de Lyon, al lado de un dispositivo de luces similares a los que se utilizan en las salas de cirugía sobre las mesas de operación. De esta forma, el espectador estaba obligado a mirar hacia arriba y directamente a las lámparas, de la misma manera en que la artista lo había hecho durante la intervención quirúrgica.
En otra oportunidad –Entre Deux (1993)– confrontó fotografías de las variaciones de su rostro durante la operación y el período post-operatorio, con variaciones similares producidas mediante la manipulación digital de su retrato. En este caso, el registro pone en evidencia el compromiso y la consustanciación de la artista para con su práctica crítica –práctica a la que destina nada menos que su propio cuerpo– a la vez que denuncia el artificio y la descorporeidad de lo virtual.
LA VÍA DEL COMENTARIO CRÍTICO
Entre Deux no sólo propone un discurso sobre la realidad o el cuerpo: también funciona como un comentario crítico sobre el medio utilizado, poniendo en cuestión su capacidad para funcionar como documento. Según Bent Fausing, sus videos ofrecen una crítica similar: “no es placentero ver las operaciones de Orlan; por el contrario, duele, con lo cual conmueve el rol confortable del espectador asociado al video y a los medios electrónicos en general”(5).
Esta tendencia crítica se encuentra también en la obra de otros artistas que generan situaciones donde el énfasis está puesto en una deconstrucción de los medios con los que trabajan, y que en la mayoría de los casos han focalizado su atención sobre los sistemas de valores propagados por esos mismos medios en el ámbito de la cultura contemporánea.
Las obras de Cindy Sherman y Yasumasa Morimura son características de este tipo de trabajo. En sus personificaciones, Sherman ha tomado los estereotipos de mujer popularizados por el cine y las revistas de moda, para generar una crítica sobre la influencia de los medios en la conformación de dichos estereotipos y cuestionar al mismo tiempo al propio medio como productor de ese universo artificial. Pero al apropiarse del imaginario producido por los medios, su crítica se prolonga hacia cuestiones más radicales en relación a la originalidad y la creatividad de la práctica artística. “Habiendo entendido a la fotografía como el Otro del arte –sostiene Rosalind Krauss– su uso de la fotografía no comporta un objeto para la crítica artística sino que se constituye como un acto crítico. Constituye a la fotografía misma como un metalenguaje con el cual opera sobre el campo mitogramatical del arte, explorando a un tiempo los mitos de la creatividad y visión artísticas, y la inocencia, primacía y autonomía del «sopor-te» de toda imagen estética”(6). Yasumasa Morimura, mediante una práctica muy similar, no sólo cuestiona la supremacía de occidente en el dominio de la imagen mediada, sino que también relativiza la fijeza de los géneros producida por ese sistema al personificarse preferentemente como representante del sexo opuesto.
La línea deconstructivista de los medios fue igualmente rectora en las primeras acciones y performances realizadas en video. Durante los '70s esta tendencia tuvo como representantes privilegiados a artistas como Douglas Davis, Bruce Nauman, Richard Sierra, Muntadas o el Grupo Ant Farm, quienes crearon obras de fuerte contenido crítico en relación a la televisión destinadas a ser difundidas por el mismo medio. Television Delivers People (1973) de Richard Sierra, por ejemplo, estaba compuesta por una serie de avisos publicitarios que alertaban al televidente sobre cómo la TV «vendía» su audiencia a las grandes empresas comerciales, en lugar de vender los productos de dichas compañías a su audiencia; Images from Present Tense, Backward Television Set (1971) de Douglas Davis invitaba a los espectadores a rotar sus televisores hacia la pared y observarlos desde atrás.
Un ejemplo interesante en este sentido lo constituye The Eternal Frame (1975) de Ant Farm y T. R Uthko. El video muestra a la manera de un documental la preparación de una performance basada en la repetición, siguiendo el registro televisivo, del asesinato de J. F. Kennedy, que los integrantes de Ant Farm re-ejecutaron en las mismas calles donde el hecho tuvo lugar. El video incluye asimismo las opiniones del improvisado público ante el «nuevo asesinato», a quienes se pide una opinión comparando el hecho «real» –la reconstrucción– con el que presenciaron a través de los medios.
La transmisión televisiva del video posiciona al simulacro en el mismo nivel perceptual del hecho original produciendo una indiferenciación entre ambos registros. The Eternal Frame disuelve las fronteras entre realidad y ficción en una coexistencia que remeda a la de la performance y su registro, integrados en su difusión medial pero diferenciados de ésta en la contundente carga crítica que vehiculan.
REGISTRO Y ACTUALIZACIÓN PERFORMÁTICA
Mientras en algunos casos las claves de la recepción estética cobran vida en el hiato entre la performance y el registro, en otros éste puede funcionar como agente de actualización de la acción original, haciendo que la recepción mediática se aproxime a la verificada durante la performance.
El video Blue / Red / Yellow (1974) del artista argentino Jaime Davidovich constituye un registro con tales características. La pieza documenta una performance en la que el autor cubre las pantallas de tres televisores con cintas adhesivas de color amarillo, rojo y azul, colores correspondientes a los primarios de la pintura (7); como es notorio desde su misma descripción, esta obra se ubica entre las tendencias críticas hacia la televisión características de los '70s.
El registro hace coincidir el formato de la pantalla del televisor registrado con el encuadre, por lo que cada vez que el artista cubre un televisor con las cintas se cubre simultáneamente la pantalla del monitor que el espectador del video mira. La acción original –cubrir la pantalla de un televisor con cinta adhesiva– se repite casi exactamente igual en el registro: tanto al final de la performance como al final del video se nos enfrenta a una pantalla cubierta con cinta adhesiva.
Davidovich ha sabido encontrar en esta obra la forma precisa para lograr la supervivencia de la acción performática en el video, eludiendo la tentación de incluirse a sí mismo como ejecutante. En su elección, enriquece notoriamente el registro, al preferir potenciar la recepción futura de su performance –que se actualiza cada vez que el video es exhibido– antes que su realización, ligada irremediablemente al pasado, y que hubiera hecho del registro una pieza de documentación histórica.
Blue / Red / Yellow supera la efimeridad del acto evitando su asimilación con el pasado. Y al hacerlo, promueve una trascendencia de la acción que, al igual que en los casos anteriores, afianza la productividad estética de aquellas obras que incorporan su registro al diálogo con el que interpelan a su espectador.
Esta particular relación propone considerar su recepción estética en el seno de la tensión que se establece entre medios de expresión irreductibles, tensión que pone en funcionamiento una dialéctica que tiene por polos al acto original y al registro final del mismo.
El movimiento dialéctico señala un espacio de relaciones que no pueden ser fijadas de antemano, sino que deben comprenderse en función de las propuestas originales. Las prácticas de la foto-performance y la video-performance, por ejemplo, tienden a privilegiar al registro como soporte antes que a la acción registrada. En contrapartida, obras como las de Ana Mendieta dan al registro la categoría de «huella» del acto original, mientras otras parecen desplegarse en situaciones aún más complejas, como podría ser el caso de los registros que la artista francesa Orlan realiza de sus intervenciones quirúrgicas o la superposición entre acto y registro en las fotografías de Cindy Sherman.
Lo que en todos los casos resulta evidente es que el registro no agota al acto y que éste no existe independientemente de aquél. Por el contrario, muchos artistas tienden a dimensionar o rediseñar la propuesta performática en función del medio de registro elegido, posibilitando una recepción diferente en cada caso (acto, registro), que les ha permitido trascender la instancia de la acción-transformada-en-objeto y su documentación.
La recepción debe entenderse en esos casos como una pugna -característica de la confrontación dialéctica- entre la génesis y el resultado del acto, donde la complementariedad de los medios se coarta dando lugar a un espacio de indeterminación productivo, espacio privilegiado de la relación del autor con su espectador, donde se ponen en marcha las claves de la recepción estética de la obra.
LA EVIDENCIA Y EL CUERPO DEL DELITO Durante muchos años el registro fotográfico fue utilizado por los artistas conceptuales para documentar la ejecución de obras y eventos de carácter efímero. La fotografía era la evidencia de una realización artística, su corroboración y verificación –en la medida en que postulaba su valor de verdad– para la posteridad, transformándose en prueba fehaciente de la intervención de su autor en la ejecución.
Ana Mendieta siguió un camino algo diferente para el registro de sus acciones sobre la naturaleza. Su trabajo se basó en la intervención sobre espacios naturales, en los que dejaba esbozada una silueta que luego registraba fotográficamente. Sin embargo, sus registros no dan pruebas de su presencia sino más bien de su ausencia: no muestran a Mendieta en el acto de señalizar el espacio sino que documentan el producto posterior del mismo, el momento en que su autora ha quedado reducida a una huella en el paisaje.
La imagen fotográfica refuerza esa ausencia debido a su estatuto de pasado irremediable e inmodificable –debido a ese carácter «mortuorio» que según Barthes subyace en toda fotografía (1)– pero a su vez es la ocasión de la recepción estética de la obra, que sólo puede desplegarse para su espectador entre la autenticidad del registro y la ausencia del acto.
Aún documento de un sub-producto (la huella), el registro es parte integrante y vital de la performance. Su lugar claramente no es complementario, ya que es imposible establecer un límite preciso entre performance y registro que pudiera caracterizar a una y otro como prácticas separadas. Por otra parte, las fotografías son el único vínculo que la artista propone con su espectador, obligado a aproximarse a la inmediatez del acto original desde la perspectiva mediada del registro fotográfico.
EL REGISTRO Y LAS INSTANCIAS DEL PROCESO ARTÍSTICO
Una práctica más común es la utilización de un medio tecnológico para documentar el proceso de una performance. Esta práctica fue bastante popular entre artistas conceptuales como Dennis Oppenheim, John Baldessari, Vitto Acconci o Bruce Nauman, como así también en el ámbito del Body Art, siendo particularmente importante en las famosas autoagresiones de los integrantes del accionismo vienés.
Por su parte, no es casual que el video arte haya nacido en el seno de las acciones del grupo Fluxus y entre los performers de los 1970s; como declara la artista Marina Abramovic, el video compartía la instantaneidad de la performance permitiendo además la prolongación temporal de la acción (2). Tan importante fue la utilización del video en el registro de performances en los setentas que la crítica norteamericana Rosalind Krauss caracterizó al medio como la estética del narcisismo, aduciendo que “en la mirada dirigida a si mismo [del performer] se configura un narcisismo tan endémico a las obras en video que me veo tentada a generalizarlo como la condición del género en su totalidad” (3).
La foto-performance y la video-performance –procedimientos basados en acciones pensadas especialmente para ser registradas– dieron cuerpo a un tipo de obras donde el acto aparece como inseparable de su traducción mediática. La secuenciación del registro fotográfico o la edición videográfica permitieron además alterar los patrones temporales propios del acto performático o focalizar la recepción del mismo, con la posibilidad de generar un metadiscurso crítico en relación al proceso de ejecución de la obra o su fruición.
Como caso particular de este tipo de trabajos puede señalarse los registros de las performances de Orlan, quien en los últimos años se ha sometido a una serie de intervenciones quirúrgicas de modificación de su cuerpo como forma de crítica «carnal» (4) as presiones de los patrones femeninos de belleza occidentales, cuya fuente la artista remite a la historia del arte: así, ha «copiado» sobre su cuerpo la barbilla de la Venus de Botticcelli (El Nacimiento de Venus), la nariz de la Psyche de Gérard (Le Premier Baiser de l'Amuor à Psyche), los labios de la Europa de Moreau (L’Enlévement d'Europe), los ojos de Diana en la Diana Chasseresse de la Escuela de Fontainebleau y la frente de la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci.
Las operaciones son registradas bajo la supervisión de la propia artista, quien sólo se hace administrar anestesia local. Además de supervisar el registro, Orlan escenifica la sala de operaciones con diferentes objetos, diseña la ropa de cama y la vestimenta de los médicos. Durante toda la intervención quirúrgica, lee textos psicoanalíticos, filosóficos o literarios.
Así, los registros son el resultado de una situación especialmente escenificada para la cámara, sobre la que Orlan también suele intervenir posteriormente en la edición. Además del registro en si, muchas veces las condiciones mismas de su presentación están contempladas en función de la performance: en la última Bienal de Lyon, por ejemplo, Orlan dispuso televisores con las imágenes de sus operaciones en el techo del Museo de Arte Contemporáneo de Lyon, al lado de un dispositivo de luces similares a los que se utilizan en las salas de cirugía sobre las mesas de operación. De esta forma, el espectador estaba obligado a mirar hacia arriba y directamente a las lámparas, de la misma manera en que la artista lo había hecho durante la intervención quirúrgica.
En otra oportunidad –Entre Deux (1993)– confrontó fotografías de las variaciones de su rostro durante la operación y el período post-operatorio, con variaciones similares producidas mediante la manipulación digital de su retrato. En este caso, el registro pone en evidencia el compromiso y la consustanciación de la artista para con su práctica crítica –práctica a la que destina nada menos que su propio cuerpo– a la vez que denuncia el artificio y la descorporeidad de lo virtual.
LA VÍA DEL COMENTARIO CRÍTICO
Entre Deux no sólo propone un discurso sobre la realidad o el cuerpo: también funciona como un comentario crítico sobre el medio utilizado, poniendo en cuestión su capacidad para funcionar como documento. Según Bent Fausing, sus videos ofrecen una crítica similar: “no es placentero ver las operaciones de Orlan; por el contrario, duele, con lo cual conmueve el rol confortable del espectador asociado al video y a los medios electrónicos en general”(5).
Esta tendencia crítica se encuentra también en la obra de otros artistas que generan situaciones donde el énfasis está puesto en una deconstrucción de los medios con los que trabajan, y que en la mayoría de los casos han focalizado su atención sobre los sistemas de valores propagados por esos mismos medios en el ámbito de la cultura contemporánea.
Las obras de Cindy Sherman y Yasumasa Morimura son características de este tipo de trabajo. En sus personificaciones, Sherman ha tomado los estereotipos de mujer popularizados por el cine y las revistas de moda, para generar una crítica sobre la influencia de los medios en la conformación de dichos estereotipos y cuestionar al mismo tiempo al propio medio como productor de ese universo artificial. Pero al apropiarse del imaginario producido por los medios, su crítica se prolonga hacia cuestiones más radicales en relación a la originalidad y la creatividad de la práctica artística. “Habiendo entendido a la fotografía como el Otro del arte –sostiene Rosalind Krauss– su uso de la fotografía no comporta un objeto para la crítica artística sino que se constituye como un acto crítico. Constituye a la fotografía misma como un metalenguaje con el cual opera sobre el campo mitogramatical del arte, explorando a un tiempo los mitos de la creatividad y visión artísticas, y la inocencia, primacía y autonomía del «sopor-te» de toda imagen estética”(6). Yasumasa Morimura, mediante una práctica muy similar, no sólo cuestiona la supremacía de occidente en el dominio de la imagen mediada, sino que también relativiza la fijeza de los géneros producida por ese sistema al personificarse preferentemente como representante del sexo opuesto.
La línea deconstructivista de los medios fue igualmente rectora en las primeras acciones y performances realizadas en video. Durante los '70s esta tendencia tuvo como representantes privilegiados a artistas como Douglas Davis, Bruce Nauman, Richard Sierra, Muntadas o el Grupo Ant Farm, quienes crearon obras de fuerte contenido crítico en relación a la televisión destinadas a ser difundidas por el mismo medio. Television Delivers People (1973) de Richard Sierra, por ejemplo, estaba compuesta por una serie de avisos publicitarios que alertaban al televidente sobre cómo la TV «vendía» su audiencia a las grandes empresas comerciales, en lugar de vender los productos de dichas compañías a su audiencia; Images from Present Tense, Backward Television Set (1971) de Douglas Davis invitaba a los espectadores a rotar sus televisores hacia la pared y observarlos desde atrás.
Un ejemplo interesante en este sentido lo constituye The Eternal Frame (1975) de Ant Farm y T. R Uthko. El video muestra a la manera de un documental la preparación de una performance basada en la repetición, siguiendo el registro televisivo, del asesinato de J. F. Kennedy, que los integrantes de Ant Farm re-ejecutaron en las mismas calles donde el hecho tuvo lugar. El video incluye asimismo las opiniones del improvisado público ante el «nuevo asesinato», a quienes se pide una opinión comparando el hecho «real» –la reconstrucción– con el que presenciaron a través de los medios.
La transmisión televisiva del video posiciona al simulacro en el mismo nivel perceptual del hecho original produciendo una indiferenciación entre ambos registros. The Eternal Frame disuelve las fronteras entre realidad y ficción en una coexistencia que remeda a la de la performance y su registro, integrados en su difusión medial pero diferenciados de ésta en la contundente carga crítica que vehiculan.
REGISTRO Y ACTUALIZACIÓN PERFORMÁTICA
Mientras en algunos casos las claves de la recepción estética cobran vida en el hiato entre la performance y el registro, en otros éste puede funcionar como agente de actualización de la acción original, haciendo que la recepción mediática se aproxime a la verificada durante la performance.
El video Blue / Red / Yellow (1974) del artista argentino Jaime Davidovich constituye un registro con tales características. La pieza documenta una performance en la que el autor cubre las pantallas de tres televisores con cintas adhesivas de color amarillo, rojo y azul, colores correspondientes a los primarios de la pintura (7); como es notorio desde su misma descripción, esta obra se ubica entre las tendencias críticas hacia la televisión características de los '70s.
El registro hace coincidir el formato de la pantalla del televisor registrado con el encuadre, por lo que cada vez que el artista cubre un televisor con las cintas se cubre simultáneamente la pantalla del monitor que el espectador del video mira. La acción original –cubrir la pantalla de un televisor con cinta adhesiva– se repite casi exactamente igual en el registro: tanto al final de la performance como al final del video se nos enfrenta a una pantalla cubierta con cinta adhesiva.
Davidovich ha sabido encontrar en esta obra la forma precisa para lograr la supervivencia de la acción performática en el video, eludiendo la tentación de incluirse a sí mismo como ejecutante. En su elección, enriquece notoriamente el registro, al preferir potenciar la recepción futura de su performance –que se actualiza cada vez que el video es exhibido– antes que su realización, ligada irremediablemente al pasado, y que hubiera hecho del registro una pieza de documentación histórica.
Blue / Red / Yellow supera la efimeridad del acto evitando su asimilación con el pasado. Y al hacerlo, promueve una trascendencia de la acción que, al igual que en los casos anteriores, afianza la productividad estética de aquellas obras que incorporan su registro al diálogo con el que interpelan a su espectador.
domingo, 10 de abril de 2011
PASTICHE
Pastiche…
¿¿¿Una característica muy mexicana???
Es interesante pensar que es una característica muy importante del post modernismo, pero al mismo tiempo me hace pensar en cómo los mexicanos solemos pensar, actuar y hasta vivir, mofándonos de todo continuamente, poniendo apodos y buscándole otro sentido a las
palabras, imágenes y situaciones.
No sé realmente si de momento estoy exagerando con esta comparación y pase en TODO el mundo y sea parte del momento convirtiéndonos en post modernistas por el simple hecho de ser
consumidores, pero me deja con esa gran duda, por ejemplo a todo le cambiamos el nombre, el ejemplo más claro en CNA : Cent
ro NacioMal de las Artes, metro General CANALLA, mercado de Peri Suarez (pino Suarez) entre otras.
O
también recordando la famosa moda de las playeras ”Na
Co” con títulos famosos:
“el golfo de México” “I (corazón) DF” “Soy totalmente lagunilla” “Pornoestar” en fin
.
También les dejo una interesante y divertida campaña de Gandhi.
Así como un par de videos,
del de Toy Story chequen el min 2:49
"pastichazo" .
sábado, 9 de abril de 2011
Robóticas…hologramas… proyecciones un show espectacular!
Pero qué hacer cuando estas te fallan???
Como escenograf@ e iluminador@ es emocionante el uso de estas tecnologías y el gran espectáculo que se puede dar… pero ¿qué pasa cuando estas te fallan? Cuando llegas al teatro y el equipo se descompuso o simplemente se ha re acomodado uno de los aparatos y solo por ese “pequeño movimiento” te desconfigura TODO!!!
O cuando tienes toda tu iluminación guardada en una “usb” pero ese preciso día la computadora no quiere cargar todo tal cual esta y en plena función empieza a hacer lo que quiere.
Es preciso creer que estos tiempos de grandes cambios tecnológicos todos estemos sedientos del uso de la tecnología y su ejecución en el teatro, pero no debemos dejar de lado que muchas veces el abuso y uso inadecuado de tecnología hacen que el espectáculo se vea sobrecargado perdiendo su esencia y luciendo pretencioso.
En fin … concluyendo, la tecnología tiene sus pros y sus contras siempre y cuando sepa usarse y no sea solo para lucirse “porque sí”, y solo por eso le dejo muchos videos que me parecen interesantes! ja
martes, 5 de abril de 2011
lunes, 4 de abril de 2011
La era posmodernista.
Aqui les dejo la peli de Iron Man 2. Chequen el celular de Tony Stark y todo el equipo que tiene en su casa.
domingo, 3 de abril de 2011
¿Hasta donde pueden los robots suplir al hombre?
La idea, surgida desde hace muchos años, de inventar maquinas que puedan realizar ciertas tareas que estaban reservadas sólo al hombre, se ha convertido en realidad. La tecnología a creado robots especializados, capaces de labores simples , dentro de un grado mayor o menor de posibilidades. Pero ¿podría la tecnología construir robots tan perfectos que resulten indistinguibles para los seres humanos?¿sería posible colocara memorias, circuitos que les permitan sentir emociones, sufrir, llorar, amar, odiar al grado de de lograr que todo se asemeje a los humanos? Me cuestioné esto al leer un cuento muy similar a la obra que revisamos en clase, el cuento se llama "Helen O'Loy de Lester del Rey , en el que la protagonista es una androide tan perfecta que si no se supiera que es producto de una tecnología se vería como un ser humano, que es, de hecho, lo que sucede en el relato.
http://www.youtube.com/watch?v=EzjkBwZtxp4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=o3jVWwxNHMc&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=EzjkBwZtxp4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=o3jVWwxNHMc&feature=related
domingo, 13 de marzo de 2011
Acerca de la Patafísia. ¡Joaquín no entiendo!
Recuerdo que cuando comenzamos a ver el Teatro de vanguardia comentaste que la Patafísica era importante para comprender este tipo de Teatro y me he encontrado con este tipo de información:
La palabra “Patafísica” fue inventada por Alfred Jarry para designar la “ciencia de las soluciones imaginarias que otorga simbólicamente a las delineaciones de los cuerpos las propiedades de los objetos descritas por su virtualidad”.
El colegio de Patafísica se define como una "sociedad docta e inútil dedicada al estudio de las soluciones imaginarias".
Fue creado el 11 de mayo 1948 para celebrar el cincuentenario de los "Gestos y Opiniones del Doctor Faustroll patafísico", escritos en 1898 por Alfred Jarry pero publicados en 1911.
He estado tratando de encontrar ese libro, porque me gustaría entender a cerca de este tema, porque dijiste que era importante para entender el teatro de vanguardia y supuse que podria entenderlo si consultaba esta fuente, pero resulta que no existe en ninguna biblioteca ni en alguna libreria, ¿tú sabes algo acerca de esto?, porque aunque leímos el supermacho y vi el ubu rey de la escuela que son textos del autor, no me dejan claro los postulados científicos que dan cuenta de la Patafísica como ciencia que regula las excepciones, proclamándola desde entonces como "ciencia de las soluciones imaginarias". Sobre todo por lo que dicen:
La verdad es que resulta bastante díficil definir las actividades de este grupo. Absurdo, irrisión, una pincelada de surrealismo y tres carcajadas de fantasía.
Como ya lo imaginarás, el Colegio de Patafísica no es una empresa seria. Pero uno se asombra bastante al ver la lista impresionante de artistas que participaron en este Colegio...
Raymond Queneau, Jacques Prevert, Max Ernst, Eugene Ionesco, Joan Miro, Boris Vian, Marcel Duchamp, Jean Dubuffet, René Clair, Pierre Mac Orlan, ... fueron socios de este increible Colegio.
...Pero llama mucho mi atención que los artistas mencionados anteriormente hayan participado en este movimiento y quisiera entender
En la “Cité Véron”, dos socios especiales de este Colegio compartían la misma terraza y algunos la bautizaron “Terraza de los Sátrapas”.
Aquí Boris Vian, Jacques Prévert y su gata Labyronette acogieron las fiestas mayores del Colegio y más precisamente todas las que celebraban al Barón Mollet.El Colegio de Patafísica decretó un periodo de ocultación, pero según parece el 20 de Abril 2000 celebraron la Desocultación. Anunciaban una exposición de "Agujeros, Nadas y Espejismos" pero confieso que no la encontré.
lunes, 28 de febrero de 2011
sábado, 26 de febrero de 2011
"La contradicción juega según nada, un pendejo compasivo"... cadáver exquisito creado en clase
"...DaDa es la rebelión que cuestiona las convenciones del arte, del pensamiento, de la visión...", en mi entendimiento asocie el collage como posible influencia del transmodernismo que quiere decir una mezcla de géneros, parece ser que en esta era tecnológica se amplía la posibilidad de enriquecer la expresión con la intervención de diferentes disciplinas artísticas, otra cualidad que encuentro es la maravillosa construcción de la realidad que parte de la destrucción de lo preexistente, creando de esta manera otras formas, otros sonidos, otras vías, otros accesos que llevan a exploraciones en el que los resultados pueden estacionarse en un juicio o descubrir en la experimentación caminos ilimitados en la espera de nuestro recorrido.
Particularmente me sorprendí al escuchar la música que pertenece a esta vanguardia porque me remitió inevitablemente al arte sonoro expuesto en los museos, el sonido es sustancial, son sonidos-gestos, intenciones que aparentan un sin sentido lógico y que sin embargo son intensamente sensación tras sensación, algo que en muy difícil articular pero que a nivel emoción es muy claro.
La Contestación Dadá
"Antiartistico, antiliterario y antipoético, el dadaismo más que construir un movimiento artístico concreto, trata de reflejar una posposición del espíritu, representa una negación intelectual violenta , por lo que se vale de cualquier medio para llevar adelante su batalla"...
Considero que el dada más que "la obra" lo que interesa es "el gesto" digamos de alguna manera que va más allá de los puros medios de expresión artística para poder manifestarse políticamente, así como contra las costumbres de la sociedad , siempre y cuando este gesto sea entendido como una "provocacion" contra la moral, la ley, y cualquier norma.
Encontré un ejemplo de lo que decíamos de la literatura dadá: las vocales malditas
EL HEREJE REBELDE. (Las vocales malditas. Oscar de la Borbolla
Desde el estrés del Jefe el edén decrece, el excedente le pertenece, se ejercen leyes dementes, se debe beber detergente en vez de leche, ser pelele, ser pedestre, ser deferente; es menester entretenerse en tejer redes, en prender rebeldes. En el este, trece rehenes perecen de sed; en el frente fenecen de herpes, de peste. El edén ennegrece, se pretende reprender herejes, perderles.
-¡Eh, Esther, ven!, relee el deber. El jefe se excede.
-¿Prevees el tren del semestre?...
Me enteré del brete de gente decente en el este: nenes, bebés perecen. El clemente es el Hereje Rebelde: desprende el ente del crecer, mete el entender, cede excelentes mercedes. El Rebelde merece el belvedere…
-Esther, eres efervescente. Ten en mente el menester del Jefe, es rete vehemente, de repente crece, reverdece, expele seres…
-Ese vejete me prende. Es jefe, regente, gerente. Perennemente deberes: “llévenme el neceser”, “llénenme de peces”, “repten”, “trepen”, “dejen de verme”, “récenme preces”, “enderécense”, “respétenme”, “festéjenme”, “perseveren”, “refrénense”, “esperen”, “vegeten”, “déjense”. Se cree el Ser, el Tres Reyes; es el jején del edén.
-¡Esther! ¡Detente! ¿Pretendes descreer de Él?
-¡Efrén, temerle es endeblez! ¡El presente debe ser del Rebelde! Él es terrestre, es el envés del Jefe. De él es ese “dejen de depender”, ese “mézclense”, ese “bésense”, ese “deséense”. El entender debe extenderse.
-¡Esther, se te mete el Rebelde!
-¡Emerge Efrén!, eres decente. Despréndete de ese pelele, es memez de bebel. Ve de frente, mereces se te respete, se te deje beber, expeler semen, tenderte en el césped. Mereces se te revele el ser del éter celeste, se te eleve, se te deje emprender. El emprender es el eje del entender…
-Efrén se mece: es el deber del Jefe enfrente del descreer rebelde; teme le desherede, le eche del edén, le fleten de res, le llenen de herretes; Esther le embebe, se mete en él, le vence: “Tenerme en el césped… tenerme trece veces… excederte… es… es… excelente Efrén”.
De repente el éter emerge del celeste Jefe: “¡Ejem! ¡Dejen de entenebrecerme, seres febles! ¡Vermes! Refléjenme, venérenme, échense, desesperen. Les generé de heces en el retrete del desdén, les presté el verde edén. Les exenté de fenecer. Les estrellé el éter. Les enderecé el pesebre. Les enseñé el deber… ¡Me entenebrecen, seres herejes, les perderé! ¡Recelen! Efrén, desde este mes debes merecer el jerez. Te meteré vehemente sed. Este deber te merme, te reste, te cercene… Esther, eres gente terrestre, plebe de rebelde, te he de vencer. Desde el belem, Efrén te despeche, te cele, te frene…”
El Jefe les expele, les mete reveses dementes, el eje del edén cede, el templete se estremece, el verde se desprende, se ennegrece el vergel. Se les ve perder el esplendente ser: Esther envejece, Efrén precede. El brete es de meses, de repente entrevé en el celere presente encenderse el éter: es el Rebelde
Considero que el dada más que "la obra" lo que interesa es "el gesto" digamos de alguna manera que va más allá de los puros medios de expresión artística para poder manifestarse políticamente, así como contra las costumbres de la sociedad , siempre y cuando este gesto sea entendido como una "provocacion" contra la moral, la ley, y cualquier norma.
Encontré un ejemplo de lo que decíamos de la literatura dadá: las vocales malditas
EL HEREJE REBELDE. (Las vocales malditas. Oscar de la Borbolla
Desde el estrés del Jefe el edén decrece, el excedente le pertenece, se ejercen leyes dementes, se debe beber detergente en vez de leche, ser pelele, ser pedestre, ser deferente; es menester entretenerse en tejer redes, en prender rebeldes. En el este, trece rehenes perecen de sed; en el frente fenecen de herpes, de peste. El edén ennegrece, se pretende reprender herejes, perderles.
-¡Eh, Esther, ven!, relee el deber. El jefe se excede.
-¿Prevees el tren del semestre?...
Me enteré del brete de gente decente en el este: nenes, bebés perecen. El clemente es el Hereje Rebelde: desprende el ente del crecer, mete el entender, cede excelentes mercedes. El Rebelde merece el belvedere…
-Esther, eres efervescente. Ten en mente el menester del Jefe, es rete vehemente, de repente crece, reverdece, expele seres…
-Ese vejete me prende. Es jefe, regente, gerente. Perennemente deberes: “llévenme el neceser”, “llénenme de peces”, “repten”, “trepen”, “dejen de verme”, “récenme preces”, “enderécense”, “respétenme”, “festéjenme”, “perseveren”, “refrénense”, “esperen”, “vegeten”, “déjense”. Se cree el Ser, el Tres Reyes; es el jején del edén.
-¡Esther! ¡Detente! ¿Pretendes descreer de Él?
-¡Efrén, temerle es endeblez! ¡El presente debe ser del Rebelde! Él es terrestre, es el envés del Jefe. De él es ese “dejen de depender”, ese “mézclense”, ese “bésense”, ese “deséense”. El entender debe extenderse.
-¡Esther, se te mete el Rebelde!
-¡Emerge Efrén!, eres decente. Despréndete de ese pelele, es memez de bebel. Ve de frente, mereces se te respete, se te deje beber, expeler semen, tenderte en el césped. Mereces se te revele el ser del éter celeste, se te eleve, se te deje emprender. El emprender es el eje del entender…
-Efrén se mece: es el deber del Jefe enfrente del descreer rebelde; teme le desherede, le eche del edén, le fleten de res, le llenen de herretes; Esther le embebe, se mete en él, le vence: “Tenerme en el césped… tenerme trece veces… excederte… es… es… excelente Efrén”.
De repente el éter emerge del celeste Jefe: “¡Ejem! ¡Dejen de entenebrecerme, seres febles! ¡Vermes! Refléjenme, venérenme, échense, desesperen. Les generé de heces en el retrete del desdén, les presté el verde edén. Les exenté de fenecer. Les estrellé el éter. Les enderecé el pesebre. Les enseñé el deber… ¡Me entenebrecen, seres herejes, les perderé! ¡Recelen! Efrén, desde este mes debes merecer el jerez. Te meteré vehemente sed. Este deber te merme, te reste, te cercene… Esther, eres gente terrestre, plebe de rebelde, te he de vencer. Desde el belem, Efrén te despeche, te cele, te frene…”
El Jefe les expele, les mete reveses dementes, el eje del edén cede, el templete se estremece, el verde se desprende, se ennegrece el vergel. Se les ve perder el esplendente ser: Esther envejece, Efrén precede. El brete es de meses, de repente entrevé en el celere presente encenderse el éter: es el Rebelde
Bragaglia
En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos.
Giulio publicaba sus teorías en el manifiesto titulado Fotodinamismo futurista
"...queremos realizar una revolución a fin de que la fotografía pueda hacer progresos y purificarse, ennoblecerse y elevarse al nivel del arte. Afirmo que con los medios mecánicos de que disponemos, es posible transformar la fotografía en arte con solo excluir la pedestre reproducción fotográfica del objeto inmóvil y estático. De esta manera, la fotografía, [...] evitando el realismo obsceno, brutal y estático, ya no será esa fotografía corriente que vemos ahora, sino algo muy superior y que recibirá el nombre de fotodinámica".
jueves, 24 de febrero de 2011
'Stifters Dinge' trailer
Un buen ejemplo de las posibilidades escénicas. Sería esto el futurismo de hoy?
Mientras observaba las pinturas futuristas escuchaba la música que PX subió y entendí sensorialmente el futurismo. Les recomiendo!
Adjunto el ensayo de Albert Camus, "El mito de Sísifo":
http://www.librosgratisweb.com/pdf/camus-albert/el-mito-de-sisifo.pdf
Da un buen entendimiento sobre el contexto filosófico del momento.
La siguiente entrada es un escrito de Baudelaire sobre la fotografía en sus primeros tiempos, siendo una gran tecnología del momento y confrontando los ideales de la pintura de entonces. Me parece un buen antecedente para las corrientes que estudiamos.
http://www.csus.edu/indiv/o/obriene/art109/readings/11%20Baudelaire%20Photography.htm
domingo, 20 de febrero de 2011
FuturismOoOoO
Encontré este enlace sobre el futurismo,junto con la siguiente descripción
"El mundo te necesita! sos una pieza vital para su correcto funcionamiento asi que no lo olvides ser en sociedad! Continua dia a dia con tu duro trabajo ciudadano hasta que te vuelvas obsoleto y un engranaje de mejor calidad te reemplace"
y creo q lo sintetiza muy bien, acerca de esta vanguardia considero que es bueno y necesario los descubrimientos científicos, el estar mal enfocados es otra cosa, sin embargo la parte de eliminar la humanidad, no estoy realmente deacuerdo con ello, ni con varias de sus características, filosóficamente hablando. Estilísitcamente me agrada el dinamismo.
"El futurismo que se propone evitar la cuestión de la realidad en el arte"
... El teatro sintético mas allá de un estilo es una filosofía perceptiva de su tiempo, de igual modo cuando hablamos de la tecnología como medio experimental, en ambos hay una tendencia renovadora que reacciona contra lo tradicional pero a diferencia de lo que creían los futuristas, no creo que en ningún momento el arte haya sido estático, mas bien lo que permanece en el mismo estado y no deja de ser repetitivo es la forma de pensamiento.
Es curiosa la coincidencia de la filosofía futurista y la pasión frenética por la tecnología de la vida actual, en ambas corrientes se habla de velocidad, de fragmento, de síntesis y modernidad como un fenómeno que se origina constantemente con el presente.
Aún cuando el teatro sintético aboga por un espectador participativo y activo, no se distancia con respecto al uso con respecto al uso de la tecnología porque las sensaciones entre escenario y público permanecen.
Tengo la impresión de que el teatro sintético esta mas cerca del performance , esto llama mi atención porque la posibilidad expresiva llega a ser multidisiplinaria pudiendo vincularse a cualquier medio o disiplína artística
Armoured Train in action. GINO SEVERINI.
En este cuadro observamos varias de las preocupaciones de los futuristas: las nuevas tecnologìas, violencia y movimiento. El tren forma una especie de flecha llena de hombres armados. Incluso el humo que sale del tren tiene cierto aire amenazante, Esto se debe al uso de las lìneas que se aprecian en varios exponentes de la pintura futurista.
Pintura futurista
Aquí pongo otros ejemplos de pintura futurista.
Leí que el futurismo proclama la necesidad de la "verdad" , ya relevada en los movimientos anteriores, para ellos , los nuevos tiempos denominados por las ticónicas corresponden a un arte dinámico que debe formarse por representar el rápido ritmo al que se mueven todas las cosas, dicen: " ¿Por qué mirar hacia atrás?, el tiempo y el espacio murieron ayer , vivimos ya en lo absoluto, puesto que hemos creado la velocidad eterna y omnipresente ". Se sentían satisfechos por lo que llamaban el esplendor enriquecido por la nueva forma de la belleza: la velocidad.
Leí que el futurismo proclama la necesidad de la "verdad" , ya relevada en los movimientos anteriores, para ellos , los nuevos tiempos denominados por las ticónicas corresponden a un arte dinámico que debe formarse por representar el rápido ritmo al que se mueven todas las cosas, dicen: " ¿Por qué mirar hacia atrás?, el tiempo y el espacio murieron ayer , vivimos ya en lo absoluto, puesto que hemos creado la velocidad eterna y omnipresente ". Se sentían satisfechos por lo que llamaban el esplendor enriquecido por la nueva forma de la belleza: la velocidad.
viernes, 18 de febrero de 2011
Different Trains - Steve Reich
Trate de buscar una de sus primeros trabajos, que guardan una mayor similitud con el trabajo de los futuristas, pero ya no pude. Espero les guste e interese.
sonidos, '¡amj & $MMM/())"···$%%!!!!!!111!!!!!!!1¿¿¿¿¿¿¡¡¡¡¡
Me intereso mucho la música, aquí pongo una pagina, donde explican de manera sencilla un poco de la música futurista, y algunos vídeos que se ven interesantes, aunque estan en otro idioma, creo que las imágenes hablan por si solas.
http://hagaselamusica.com/ficha-periodos-musica/vanguardias/futurismo/
Fotodinamico
Ahora parece una foto que podria ser tomada por cualquiera, o arreglada en photoshop, ahi esta un punto importante del futurismo: "Borrar el pasado", quienes se acuerdan de ellos, y de los logros que realizaron.
lunes, 14 de febrero de 2011
TEATRO TECNOLÓGICO VS. TEATRO HUMANÍSTICO
Me gustaría compartirles un artículo que encontré a cerca del teatro tecnológico vs. El teatro humanístico.
DIASPORA
http://www.youtube.com/watch?v=xn--3msY8lo
Ha sido creado y dirigido por Ong Keng Sen, formado en Nueva York, y que desde 1988 dirige el Theatre Works (Singapur) responsable del espectáculo junto a la Singapure Chinese Orquestra con más de treinta músicos. El espectáculo se caracteriza por su bella y compleja utilización del vídeo mientras que sólo cuatro actores intervienen, efectuando algún movimiento o simplemente posando ante alguna de las pantallas.
Tras una cortina-velo transparente o al descubierto, la orquesta, siempre en el escenario, interpreta música electrónica y música antigua china. Es la protagonista junto con grandes pantallas que narran la historia de la diáspora en el continente asiático. Son cuatro pantallas de vídeo, elevadas, al fondo, que incluyen textos y bellas y expresivas imágenes. Las veintidós escenas proyectadas se basan en la vida del propio Ong Keng Sen y en las entrevistas que efectuó en un viaje por la costa asiática. La pregunta básica era: “¿Qué te gustaría que se hiciera con tus restos mortales?”. Es la búsqueda del lugar al que te sientes pertenecer. La idea, según Ong Keng Sen, es contar historias sobre la migración, reinterpretadas por la distancia de los “media”. Tiene sentido pero las anécdotas y reflexiones son reiterativas y carecen de ritmo teatral. El interés de Diáspora está mucho más al servicio de la tecnología que del teatro.
FAUSTO
http://www.youtube.com/watch?v=bXU78K6XSwg
Lleno de recursos humanos e imaginación. Purcarete decía que en Rumanía no existían los medios para crear espectáculos que requieran tecnología como los de –citaba él– Robert Lepage. Pero afirmaba que lo que sí existe en Rumania es una gran cantidad de elemento humano y de tiempo. De ahí y de la imaginación de Purcarete surge el “Fausto” de Radu Stanca, Teatro Nacional de Sibiu.
Casi cien actores nos arrollan, corren, evolucionan sobre el escenario con un vestuario carcelario y un maquillaje expresionista, formando imágenes que reflejan nuestra sociedad del horror, del vicio y la deshumanización. Es teatro macabro, carnaval orgiástico de sexo y muerte. En el inicio, la maldad se hace patente con la inyección fatal que dan a una niña antes de enterrarla. Un perro negro se convertirá en Mefistófeles. Es la estética del mal, presidida por dos sombras al fondo del escenario que nos recuerdan a María Antonieta y Luis XVI, encarnación del último reducto del poder aristocrático. Los grandes protagonistas son Fausto y Mefistófeles, Gheorghe Ilie y Ofelia Popii, dos enormes actores en una relación de poder amo-criado. Un Fausto pedófilo, clown, matarife, querubín depravado. Un Mefistófeles de mil caras, bello, andrógino, encarnación del mal. Margarita, convertida en siete muchachitas adolescentes será brutalmente violada y profanada por Fausto, un capricho de su lujuria.
Es un espectáculo envolvente y agobiante, de gran fuerza expresiva. Hacia la mitad, el horror llega a su clímax. Actores y público nos trasladamos a otro espacio en el que se desarrollará la orgía: un ritual de horror, fuego, ahorcados, torturas y lujuria. Un ritual demoníaco, una constante música satánica tocada en vivo por cuatro músicos. Vemos arcos de fuego, un ingenio mecánico transporta a varios actores colgados por los pies, evolucionan Fausto y Mefistófeles en un enorme trono. Todo se mueve. Margarita dará a luz y el bebé y ella serán brutalmente asesinados. Es una ceremonia orgiástica que nos recordó al Kubrick de Eyes Wide Shut. Los elementos escenográficos son sencillos pero capaces de sobrecogernos. El mal triunfa y regresamos al espacio del comienzo, momento en que Fausto querrá morir y Mefistófeles tendrá que buscar otro Fausto. Son dos horas de gran teatro, con una distorsión macabra que es denuncia y que, con otra estética, podría compararse a los espejos que Valle Inclán distorsionó para que mejor nos viéramos a nosotros mismos.
Opino que el desarrollo de las nuevas tecnologías se ha extendido a todos los campos de la cultura y el arte. En el caso de la escena teatral, podemos observar una diversidad de experiencias que llevan a que en las producciones se incorpore tecnología como un recurso ya sea lumínico o escenográfico, acercándolo a lo que hoy conocemos como multimedia. Sin embargo nos encontraríamos con que, en el campo teatral los soportes tecnológicos se utilizan tan solo a modo de efectos especiales. Aunque estaba leyendo que actualmente se están desarrollando diversas formas poéticas en las que la tecnología se vuelve personaje e interactúa con los mismos actores, imponiendo su lógica, este podría ser el caso de Diáspora, que aunque no lo he visto en su lugar de origen lo he visto por el increíble y maravilloso you tube y al menos eso es lo que observo, ya me dirán ustedes.
“Podemos estimar que la confrontación cotidiana con los medios de comunicación –del teléfono, pasando por el cine, el vídeo, la fotografía, el ordenador o... la escritura- influye en nuestra manera de percibir y de conceptuar... percibimos también la realidad espectacular de una forma distinta a la de hace veinte, cincuenta o cien años. El impacto de estas mutaciones no es tan fisiológico como neuro-cultural, nuestros hábitos de percepción han cambiado sobre todo porque la manera de producir y de recibir teatro ha evolucionado” [Pavis].
De alguna modo esto lo podemos percibir desde nuestra manera de escribir, investigar, discutir, indagar en el mundo en donde estamos, no es la manera en como lo hacemos sino la manera en como lo fuimos procesando y lo vamos concibiendo, la cual no fue ni será la misma para las futuras generaciones que reciben y procesan toda esta información de distinta manera.
"[Por esta razón] las nuevas tecnologías mediáticas ponen en crisis la noción de puesta en escena, en tanto ya no se puede hablar de un mensaje homogéneo controlado por un sujeto creador que garantiza la coherencia estética, sino más bien de una transformación de la práctica escénica en un montaje, en una práctica significante, que promueve un "encuentro", un diálogo entre distintas subjetividades, distintos soportes y distintos modos de percibir, concebir y construir el mundo" [Pavis]
Las transformaciones tecnológicas, en estos momentos han transfigurado el campo del arte, por tanto del arte teatral, más allá de la incorporación tecnológica lo que se viene produciendo es una transformación a nivel del modo en que un sujeto percibe, concibe y hace el mundo a partir de la palabra y la imagen. Por lo tanto creo que no debemos olvidar los tiempos en que vivimos, por ejemplo; los autos tienen alarmas y ya no andamos sobre caballos, o cuando necesitamos de nuestros ahorros el dinero lo retiramos por medio de un cajero automático y uno no tiene que entrar al banco con un baúl para llevarse los ahorros. O una persona que se despertó de un coma profundo después de casi más de veinticinco años y conoció por primera vez un ¡celular!. De esa forma creo que podremos generar un teatro con el cual las personas y un mundo entero se ¡identifique!
Tecnología y teatralidad esencial se oponen aquí: TEATRO TECNOLÓGICO Diáspora, TEATRO HUMANISTA Fausto. Pero no basta una gran tecnología para hacer un gran espectáculo. Ni es necesaria en un gran espectáculo lleno de creatividad como Fausto.
viernes, 11 de febrero de 2011
Pensado en la primera clase
¿Qué es teatro? ¿Qué hay, que pasa, que se dice, como se hace, que propone? ¿Por qué no se atrae nuevo público y solo los “teatreros” ven teatro?
Puedo pensar que el teatro es un medio por el cual un grupo de personas, expresaran un discurso partiendo de un texto.
Pero se dicen cosas de lo que se puede hacer y no se puede hacer en el teatro, esto es desde el equipo creativo que muchas veces tiene una o muchas limitantes para crear, hasta los espectadores que para asistir a una función deben de llegar con tiempo (si es entrada libre de una a dos horas antes), entrando al teatro deberán disponer de dos, tres o hasta cuatro horas para ver la función y estando en ella no se puede comer ni hablar. El teatro puede ser el entretenimiento de muchas personas, se necesita de su tiempo libre para que asistan a nuestras puestas en escena. Pero una vez que asistieron ¿Qué van a ver, que les ofrecemos? ¿Qué va a pasar en todas esas horas para que tengan ganas de regresar a ver otras funciones?
En toda obra hay complejidad que permite cuestionarnos y reflexionar. En los textos dramáticos encontramos diversidad e identidad.
¿Cuál es la función social del teatro actualmente? ¿Cuáles de las nuevas tecnologías se usan en el teatro?
Intencionalidad y direccionalidad.
Al usar medios alternativos se debe de pretender algo, independientemente de solucionar espacios y reducir gastos.
En dos ocasiones he visto el uso de proyecciones pero no supe con que finalidad eran utilizadas, al preguntar al equipo creativo sobre el concepto me dijo todo un rollo y entendí menos. ¡Jaaa…!
Puede que así como las proyecciones muchos elementos tengan justificación y argumento, pero hasta qué punto es claro para el espectador o hasta qué punto se es honesto como creativo en dejarlo claro con la plástica sin necesidad de explicarlo. Cada cosa en el escenario habla, todo expresa algo. La cuestión es ¿Qué quiero decir yo?
Puedo pensar que el teatro es un medio por el cual un grupo de personas, expresaran un discurso partiendo de un texto.
Pero se dicen cosas de lo que se puede hacer y no se puede hacer en el teatro, esto es desde el equipo creativo que muchas veces tiene una o muchas limitantes para crear, hasta los espectadores que para asistir a una función deben de llegar con tiempo (si es entrada libre de una a dos horas antes), entrando al teatro deberán disponer de dos, tres o hasta cuatro horas para ver la función y estando en ella no se puede comer ni hablar. El teatro puede ser el entretenimiento de muchas personas, se necesita de su tiempo libre para que asistan a nuestras puestas en escena. Pero una vez que asistieron ¿Qué van a ver, que les ofrecemos? ¿Qué va a pasar en todas esas horas para que tengan ganas de regresar a ver otras funciones?
En toda obra hay complejidad que permite cuestionarnos y reflexionar. En los textos dramáticos encontramos diversidad e identidad.
¿Cuál es la función social del teatro actualmente? ¿Cuáles de las nuevas tecnologías se usan en el teatro?
Intencionalidad y direccionalidad.
Al usar medios alternativos se debe de pretender algo, independientemente de solucionar espacios y reducir gastos.
En dos ocasiones he visto el uso de proyecciones pero no supe con que finalidad eran utilizadas, al preguntar al equipo creativo sobre el concepto me dijo todo un rollo y entendí menos. ¡Jaaa…!
Puede que así como las proyecciones muchos elementos tengan justificación y argumento, pero hasta qué punto es claro para el espectador o hasta qué punto se es honesto como creativo en dejarlo claro con la plástica sin necesidad de explicarlo. Cada cosa en el escenario habla, todo expresa algo. La cuestión es ¿Qué quiero decir yo?
miércoles, 9 de febrero de 2011
¿En que momento el teatro deja de ser teatro?
¿Cómo meter el medio tecnológico al teatro?
Estas preguntas fueron el eje de la discusión en clase y parece que la respuesta depende de la perspectiva de cada artista.
Desde luego el teatro a diferencia de otras artes toma en cuenta al espectador en su momento creativo y por eso todo lo que ocurre en escena debe tener unidad, para que el receptor de un espectáculo no quede confundido en relación con lo que se le dice. Pero ¿por qué la resistencia hacia lo tecnológico?, creo que esta forma creativa que fusiona la tecnología audiovisual con las otras ramas artísticas es también una proyección de una manifestación que integra las prácticas culturales que exploran otras alternativas, en donde las misma sociedad crea la necesidad de experimentar otras formas de expresión que van intencionadas a la creación de nuevos campos que crucen los límites tradicionales entre las disciplinas artísticas. Desde este punto de vista la pregunta sería no que es el teatro sino que alcance puede éste desarrollar integrándolo a otras alternativas artísticas, no cambiando una expresión por otra mas bien transformando las posibilidades de expresión y ampliando el panorama creativo, desde luego solo si tiene que ver con un discurso unitario, no me refiero a protagonizar el suceso visual por el solo hecho de la experimentación en sí misma, estoy segura de que pude funcionar como un recurso muy interesante.
Leí algo acerca de las vanguardias y me parece que se explica de alguna manera la tendencia hacia el uso de la tecnología en el arte contemporáneo:
“Durante el siglo pasado y principios de este, las vanguardias artísticas han ejercido una gran influencia. Esto comprueba que las vanguardias han triunfado por el atrevimiento de la invención de un tiempo propio, el de la construcción no ya de un espacio de encuentro y de reconocimiento en la que confluyen rasgos recurrentes y comunes a otros momentos sino el de la invención de un tiempo que es hoy, pero también mañana, sería el tiempo de la renovación, de la invención de los nuevos lenguajes, esta conciencia en la reflexión sobre el lenguaje como vías de acceso a realidades nuevas. El lenguaje, pues, construye la realidad, no refiere un mundo preexistente…”
Ensayo de Plinio Chahín, publicado en la revista Tinta Seca de Arte y Literatura
lunes, 7 de febrero de 2011
la tecnología
Aquí les envío el link del ejemplo que puso Sara sobre el concierto de Nsync donde usan unas pantallas:
http://www.youtube.com/watch?v=BnXXxPNAd4A&feature=related
Comentando el video, me parece buena la utilización de las pantallas, interesante y divertida.
Creo que es más sencillo usar la tecnología en conciertos que por ejemplo en el teatro. Hablabamos en clase que el teatro trata de de ser conservador por esta línea delgada de algunos que juzgan lo que es y lo que no es teatro, sin embargo pensando que el teatro no es una de las artes puras, no debería haber mayor problema en experimentar la introducción de cosas novedosas.
Viéndolo como estudiante en este momento puedo opinar que tampoco es algo que nos enseñen o nos inviten a experimentar, hay un rezago en este tipo de información el querer que hagamos algo novedoso con un presupuesto hipoteticamente altísimo y tener un retraso en cuestiones tecnológicas que no estudiamos y tampoco tenemos idea de lo que se maneja en otros paises .
Por nuestra cuenta es intentar algo nuevo, si en verdad creemos que es factible para nuestro proyecto, creo que lo que estamos olvidando es tratar de dar a conocer nuestro mensaje, trabajar por y para mostrar la idea de nuestro trabajo. No para agradar o para decir simplemente "pues ellos no saben, por eso no entienden".
http://www.youtube.com/watch?v=BnXXxPNAd4A&feature=related
Comentando el video, me parece buena la utilización de las pantallas, interesante y divertida.
Creo que es más sencillo usar la tecnología en conciertos que por ejemplo en el teatro. Hablabamos en clase que el teatro trata de de ser conservador por esta línea delgada de algunos que juzgan lo que es y lo que no es teatro, sin embargo pensando que el teatro no es una de las artes puras, no debería haber mayor problema en experimentar la introducción de cosas novedosas.
Viéndolo como estudiante en este momento puedo opinar que tampoco es algo que nos enseñen o nos inviten a experimentar, hay un rezago en este tipo de información el querer que hagamos algo novedoso con un presupuesto hipoteticamente altísimo y tener un retraso en cuestiones tecnológicas que no estudiamos y tampoco tenemos idea de lo que se maneja en otros paises .
Por nuestra cuenta es intentar algo nuevo, si en verdad creemos que es factible para nuestro proyecto, creo que lo que estamos olvidando es tratar de dar a conocer nuestro mensaje, trabajar por y para mostrar la idea de nuestro trabajo. No para agradar o para decir simplemente "pues ellos no saben, por eso no entienden".
lunes, 31 de enero de 2011
Bienvenidos al blog
Bienvenidos al blog de la clase Literatura Dramática y Medios Alternativos de Comunicación Artística.
Recuerden que se espera que publiquen entradas sobre sus experiencias y reflexiones sobre lo que veamos en clase, así como compartir información y links de interés, y también que comenten las entradas de sus compañeros.
No olviden citar sus fuentes de información e imágenes.
Saludos!!!
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